Taller de estampación de ropas y pintura textil en el espacio público de Agrigento, abierto a la colaboración de artistas locales a través de la participación y la creación de plantillas.

La propuesta busca utilizar la ropa como medio para visibilizar las ideas, deseos y reflexiones de la ciudadanía, además de apoyar la situación de la comunidad migrante en Agrigento, celebrando la diversidad y poniendo en valor sus contribuciones culturales. Utilizando el espacio público de la Piazza Ravanusella, este proyecto se concibe como un espacio de intercambio y diálogo a través del arte y la ropa, y busca desarrollar una estrategia creativa que difunda y actúe como una forma de resistencia.

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247 presenta obras de diversos formatos, tipologías y disciplinas, como vídeos, dibujos, cuadros, fotografías, documentación de intervenciones en el espacio público y técnicas experimentales.

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Durante mi estancia en la Academia de España en Roma, me he basado en el significado del término italiano consapevolezza, que podría ser traducido como conciencia de realidad o conciencia de entorno, y he pintado a los excluidos de la sociedad, los desposeídos, esa parte del mundo que generalmente ignoramos porque no queremos verla, ya que su sola visión especular nos hace volver la cabeza hacia otra parte.

Paralelamente durante este tiempo he pintado una suerte de Nuevos Mandamientos que, a modo de haikus, nos instan a vivir una experiencia vital plena y liberadora.

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Un juego entre lo apolíneo y lo dionisíaco. Pequeños trozos de papel recortados y superpuestos concienzudamente describen a 10 niñxs obrerxs Un modo de hacer en el que existe un componente extrañamente atractivo a través del color, la narrativa y los propios procesos creativos con los que estas piezas se han llevado a cabo, pero cargado de autenticidad corrosiva: una carga lúdica y subjetiva que nos lleva a vernos a nosotros mismos como héroes y heroínas en tanto que supervivientes de un mundo donde la proactividad, la productividad, el sacrificio, el sobreesfuerzo y el ascenso son las claves del éxito y de una vida feliz; héroes y heroínas en cuyos semblantes, en ocasiones, unas ojeras funestas descienden hasta unirse con las comisuras depresivas de una sonrisa forzada.

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Este trabajo muestra una serie de retratos donde la calidez de trato que desprende la confianza entre el artista y los colaboradores, se refleja nítidamente: Bella la emprendedora decepcionada por el trato sin compasión con el que Hacienda trata a los autónomos; Antonio el repartidor de butano que tras cuarenta años está recién jubilado y saluda al mundo con amor; Obai, músico y excepcional percusionista originario de Sierra Leona que lucha por regularizar su situación y practica la música como una vía de escape para huir de la situación; Flori, la joven rumana vendedora ambulante de flores que llegó desde su país para estar tres meses y ya lleva 17 años despachando con su carrito; José, el repartidor de provisiones a los bares que inundan la cada vez más turistizada Puerta de la carne y que va de aquí para allá canturreando y silbando los cánticos de los seises que clavó en su memoria cuando fue niño seise; Ángeles la dulce y sonriente peluquera que decora temáticamente los escaparates de su salón y entre peinados, cortes y arreglos, práctica terapia con los clientes; o Pepa la incasable camarera que quiso ser cantante y aún sigue paseando la bandeja.

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Dado que en Cáceres quieren poner una mina de Litio, que tiene al pueblo dividido en opiniones, he querido echar una mirada atrás a los cantes de minas y otra hacia adelante al futuro que se presenta, con el objetivo de recuperar y actualizar el cante de las minas de Aldea Moret como elemento transversal en la historia e intrahistoria de la ciudad. Para ello he pedido a los poetas David Eloy y José María Gómez, las letras de unos nuevos cantes de minas relacionadas con lo que supone el extractivismo y la implantación de la nueva mina de Litio en Extremadura.

Estas letras escritas desde el sentir flamenco, han sido grabadas en el estudio de sonido Sonanta, por Esther Merino (cantaora extremeña que ha recibido el año pasado la lámpara minera del Festival de la Unión en Murcia), Miriam Cantero (cacereña de Aldea Moret, nieta e hija de minero y flamenca hasta la médula) y Eugenio Cantero (minero, cantaó, padre de Miriam e hijo de Demetrio Cantero), acompañados a la guitarra del gran Rodrigo Fernández.

Durante las siete semanas que dura Cáceres Abierto un equipo de sonido ambulante recorre diferentes lugares de la ciudad al tiempo que se reparten octavillas que contienen las letras mineras e imágenes relacionadas con la implantación de una mina de Litio en Extremadura, y lo que ello conlleva.

En la inauguración disfrutamos de un recital memorable de las nuevas mineras cantadas en vivo por Miriam Cantero, Eugenio Cantero, Rodrigo Fernández a la guitarra y Gautama del Campo al saxo flamenco.

Escuchar nuevas mineras

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Planteé ideas relacionadas con la noción de «otredad», artivismo, lo global, el trabajo, el racismo o la crisis de los refugiados que está ocurriendo en este momento y exploré la cultura visual contemporánea trabajando con imágenes encontradas en mi día a día, sacadas de periódicos, tomadas de libros y revistas, de Internet, o generadas por ordenador, estas últimas pinturas abstractas, casi psicodélicas, basadas ​​en los paisajes abstractos que evocan las pantallas rotas de dispositivos móviles, ordenadores y tablets como transmisoras de los estímulos visuales con los que estamos inundados y controlados todos los días y que evocan sentimientos de vacío existencial.

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Con esta serie quería explorar la relación entre la realidad del mundo externo y el mundo conceptual que existe en la mente de cada uno de nosotros. Dibujados entre Sevilla y una estancia de 20 días en Maputo, representan a  personas que expresan sus pensamientos como individuos aislados, y que juntas componen una manifestación que propone a los individuos modos de acción sobre sí mismas.

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Rinden homenaje al imaginario local y la vida cotidiana e incluyen guiños a diferentes aspectos de lo social, concretamente a Ignou Road, en Neb Sarai, barrio en el que están tomadas las fotografías tras una estancia de cinco semanas en una residencia para artistas en New Delhi.

La búsqueda artística / espiritual como una manera de traducir la vida mental de la ciudad en experiencias concretas, una presencia real expandida en las calles, fuera del territorio familiar de un yo individual.

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Haciendo uso de la maravillosa tradición rotulista mexicana y  utilizando las tipografías como vehículo del lenguaje  visual, el proyecto consistía en rotular las letras N y  O sobre la cubierta del edificio y por extensión,  sobre la retícula urbana de  la superpoblada Ciudad de México. Las tipografías elegidas para realizar la obra fueron rotuladas con cal y pigmentos fosforescentes (colores que sirven de reclamo para los vendedores ambulantes que pueblan  esa zona de la ciudad) y extendidas como masas abstractas de color a modo de camuflage urbano.

A través de un circuito cerrado de vídeo, se transmitía en el interior del edificio, (espacio expositivo) lo que sucedia en la cubierta, a través de una videoproyección a tiempo real. La pieza tenía un carácter efímero, ya que los pigmentos y la cal con la que fue realizada la rotulación -minerales naturales-, desaparecerían con la lluvia.

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Los ritmos, la composición y la mezcla de los diferentes sonidos de las  alarmas de los despertadores, incluyendo algunos relojes con la llamada a la oración del muecín, -reflejo de la población multicultural que habita en esta ciudad-, daban como resultado una sinfonía/trance que, paradójicamente, en vez de despertar al durmiente, incitaba al sueño en una suerte de narcótica nana trans-cultural/continental/religioso/oceánica.

Una instalación de carácter performativo que reflexiona sobre el marco político-económico del Estrecho centrándose en dos conceptos: tiempo y desplazamiento.

La Sinfonía del sueño es una obra creada específicamente para el lugar en el que se mostró, Ceuta, y que se nutre de referencias al contexto socio-cultural autóctono: su condición de ciudad autónoma española situada en el continente africano, su ubicación frente al Estrecho de Gibraltar, su configuración como frontera norte con Marruecos, la población multicultural que la habita, su tradicional funcionamiento como paraíso comercial para los peninsulares, etc.

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En abril del 2012 viajamos al Aaiun (Sahara Occidental) para realizar dibujos a partir de los testimonios de víctimas de torturas y violaciones de los derechos humanos, que compartieron con nosotros su dolor, su intimidad y su confianza. Este libro nació de un encuentro con las historias de dolor y resistencia saharaui, y nos hablan de la capacidad de los seres humanos de hacer frente a las atrocidades.

VER MEMORIAS NÓMADAS

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La entrada Cartografía del esplendor se publicó primero en Alonso Gil.

Los dibujos representan el paisaje de chimeneas humeantes donde unos inocentes y rosados cerditos hacen el amor, ajenos al futuro programado por unas políticas económicas marcadas por unos intereses que no son los de la propia comunidad pero sí están legitimados por macropolíticas estructurales que enarbolan el supuestamente imparable progreso.

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Esta brigada ligera en guerra contra lo universalmente admitido, busca realizar la poesía y cultivar la vida como un arte, haciendo música.

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Ver SAHARA LIBRE WEAR

Ver  SLW MAS QUE ROPA

Fotografías: Edi Escobar, Paula Álvarez, Abchiche Samir, Javier Andrada y Alonso Gil.

Living as Form – Socially Engaged Art from 1991-2011. Creative Time, NY.

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Ver publicación

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Alonso Gil ha reconstruido, a escala ampliada, una de las celdas que había en dicho edificio panóptico cuando aun era centro penitenciario franquista. Con pintura de flúor, que se ilumina en la oscuridad una vez que se ha cargado con luz, ha pintado sobre las paredes y techo convirtiendo la celda en un gran dibujo. En la oscuridad aparecen los fantasmas y salen a relucir imágenes y textos que supuestamente hubo en las celdas en otro tiempo y que, a su vez, aluden al contexto socio-político y cultural en el que se ubica el museo, además de ser imágenes del repertorio que conforma el imaginario de este artista, como la liebre libre o las trenzas-cadenas. Gil hace uso, en este trabajo, del graffiti como escritura pervertidora de un orden lingüístico, social e ideológico, y recupera algunos de los realizados por los presos, así como muchas de las pintadas presentes en las calles de Badajoz y las zonas rurales de Extremadura en la actualidad. Mensajes de protesta, de amor o de rebeldía que el artista introduce en un espacio en el que se expresa lo que, en principio, sería inexpresable en los circuitos oficiales de comunicación.

La Celda Grande, una metáfora de la vida, como la describe su autor, se enmarca en una trayectoria en la que siempre ha estado presente la fascinación por visibilizar lo invisible o por hacer que una imagen se convierta en otra. En dicha sala se expone una serie de dibujos de gran formato que Alonso Gil ha realizado con diversas técnicas: collages, ploteados, emulsiones fotográficas, etc., y que a modo de bocetos de La celda grande muestran, asimismo, textos e imágenes recuperadas de las celdas de los presos, y otras alusivas al olvido, a la memoria y al paso del progreso por Badajoz.

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